Con su nuevo álbum, Kevin Johansen asume y celebra el carácter “Bi” de su música

Fiel a su espíritu nómade y enarbolando una esquizofrenia musical cada vez más irremediable, el cantautor Kevin Johansen presentó “Bi”, su nuevo álbum doble que propone un éxodo vertiginoso de norte a sur, por una América plagada de sonoridades. De un lado está “Jogo. Subtropicalia”, un álbum con un fuerte sello folclórico poblado de reminiscencias a los ritmos de Uruguay y Brasil, mientras que en “Fogo. Pop Heart” prevalece un sonido que incluye temas en inglés y covers de Leonard Cohen y David Bowie.

Convencido que en el origen está la esencia, Johansen convirtió su identidad mestiza -su madre es argentina y su padre norteamericano- en un terreno fértil para cruzar charcos y recorrer cartografías según haga falta para hacerse -descaradamente- de sonidos propios y ajenos.

Acompañado por Lila Downs, Rubén Rada, Daniela Mercury, Natalia Lafourcade, Paulinho Moska, Lisandro Aristimuño, Fernando Cabrera y Orquesta El Arranque, el artista propone 29 temas en clave mestiza, todoterreno innegable para complacer distintos gustos y oídos.

Lejos de disquisiciones psicológicas, “Bi” presenta en su tapa un retrato de su padres: él, del norte y ella del sur, cada uno con un disco que conjuga y distingue al sucesor de “Logo” (2007) con un resultado absolutamente multiplicador.

Así, fragmentado, divertido y apátrida, el autor de “Down with my baby” se prepara para iniciar una gira junto a su banda The Nada que comienza el 8 de agosto en Rosario y nunca -jamás- se sabe dónde acabará.

-¿Cómo fue el proceso creativo de un disco doble?

-”Logo” había sido un disco generoso de estudio y había quedado dando vueltas la idea de dos patitas, de “Jogo” y “Fogo”, de un disco folclórico y otro más pop-rock pero quedó ahí y el año pasado tomó envión. En medio de las grabaciones mi hermana me recuerda unos retratos de nuestros padres de jóvenes y yo, que venía barajando el concepto de “bi”, de disco doble, de bisexual, de madre y padre, terminé de cerrar el concepto.

-Es raro que dividas dos discos tan conceptualmente marcados cuando tu carta de presentación siempre fue la heterogeneidad…

-Sí, es que eso está en los dos discos, donde hago lo que me pinta. Pero si lo ves tienen un perfil donde me ayudo como guía, fue fortuito que mi hermana me mostrara esos retratos de los viejos, yo creo que como hermana sabia me lo hizo a propósito, pero me ayudó a clarificar, a preguntarme ¿Por qué no hacer un disco con Tweety González que tenga temas en inglés, mas pop-rock y el otro más la madre, la Argentina, la pacha mama? Y así fue y estuvo buenísimo.

-¿De dónde aparecieron los 29 temas que componen los dos discos?

-Con el disco folclórico tenía la necesidad de grabar temas propios que iban surgiendo. Y paralelamente Tweety agarró material mío viejísimo con un cariz más sajón como el de mi viejo, porque me pidió que le pasara temas de cualquier época y yo, más que músico de culto fui músico oculto durante muchos años, sobre todo cuando viví en Nueva York.

-¿Con estos recortes sentís que encontraste una forma de definirte?

-Al primer disco que me traje bajo el brazo cuando vine de Nueva York, le había puesto la frase en inglés “Mixture is the future” (“La mezcla es el futuro”) y cuando lo vi impreso en el disco me sentí un poco boludo, porque en realidad la mezcla también puede ser el pasado y eso es este disco. Vengo de una mezcla, de un hombre y una mujer, eso es bi, todos somos mitad hombre, mitad mujer, todos provenimos de un padre y una madre y me gustaba jugar con eso, con el pasado, con padre yanqui y la madre argentina, lo que me tocó y mi pasado gringo y mi presente argentino.

Me pareció que tenía que ver con eso, con la esencia, el pasado, hacia donde uno va y lo que uno es hoy.

-Desempolvaste temas que tenías guardados, ¿las canciones son atemporales?

-Yo creo que una buena canción perdura. Al menos puede o tiene la chance de hacerlo. A veces los temas cuando están hechos en una época muy marcada y está de moda algo como por ejemplo esos teclados chotos que sonaban antes, igual tienen la posibilidad de trascender. Porque hay gente que compuso muy buenos temas con teclados chotos y después de 10 o 20 años puede reflotarlos y mejorarlos. Son perfectamente perdurables.

-Este es tu sexto disco, ¿Cómo te llevás con el éxito?

-Yo me río mucho de mí mismo, primordialmente porque tuve la suerte de que me fuera bien con la música después de los 30. Por ahí zafé de ser un “Pomelo”, porque si te va muy bien a los 19 de por sí uno a esa edad está en una nube de pedos, hormonalmente, afectivamente, en todo sentido. Si te va bien y además tenés fama y fortuna, terminás casi seguramente hecho un pelotudo.

Yo agradezco que haya tenido su dificultad el llegar, porque además siempre fui muy parsimonioso, muy apasionado de lo que hacia, siempre tratando de aprender, de tocar mejor, de tener ciertas señales de que la cosa andaba, pero nunca fui un desesperado. Nunca tuve ese temor de no poder dedicarme a lo que me gusta.

-¿Cómo viviste el mientras tanto?

-Yo a mis 20 años no viví de la música, hacía canciones, buscaba lugar para tocar, bandas, pero estaba en Nueva York y tuve que laburar de mozo en un hotel, de traductor bilingüe en las Naciones Unidas, entre otras cosas y lo agradezco. Agradezco que la cultura yanqui tenga una concepción piola respecto a la ética laboral: si vos querés ser músico o actor, laburá de mozo o barman o basurero, pero laburá y mientras andá a los castings o a tocar. Todo el mundo lo toma con mucha naturalidad y no es ningún desastre. En cambio, acá la clase media argenta se escandaliza porque el “artista” no puede hacer esos laburos ¡Boludo, hacete de abajo, laburá!

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